EL REY DE LAS POLILLAS – Ángel Abellán & Carlos Morote

El Rey de las Polillas no va de terror, tampoco va de amor. Bueno, puede que un poco, pero más del desamor. Y eso da un poquito de miedo. Vale, puede que también vaya de terror. Es más, acojona de lo real que es. Tonya y Ele tienen trabas en su relación, véase el tiempo o véase la vida. O quizás las diferencias que les hicieron enamorarse ahora pasan factura. La noche de su aniversario se ve interrumpida por esos problemas, personificados en un grotesco monstruo hecho de polillas, que intentará quitarles todo lo bueno que tienen. Por otro lado tenemos a Jen y Pablo, una pareja con una historia diferente, un romance con otras bases, pero igual de carcomido (en mi opinión, incluso más). Jen deberá enfrentar a su propio Rey de las Polillas, todos tenemos que hacerlo en algún momento. Cuando el camino de Tonya y de Jen se cruza, lucharán juntas por recuperar lo que el monstruo les ha arrebatado.

Estos personajes son muy diferentes entre sí, pero eso no les quita humanidad. Tonya es una chica alegre, a la que pocas veces consiguen hundir más de cinco minutos seguidos, aunque es hiper-despistada es una persona realista. Tonya está enamorada de Ele y Ele es diferente en casi todos los aspectos, excepto en el sentimiento mutuo. Ele vive con la cabeza en las nubes, quiere vivir su sueño, que es crear cómics. Mientras, hace trabajos que no van hacia ninguna parte y le mantienen eternamente en el pozo. Ele y Tonya se han complementado siempre, apoyándose mutuamente. El optimismo de Tonya siempre ha ayudado a Ele a levantar cabeza, muy despacio, pero no dejando que se rindiera.

Jen es policía, dura en apariencia. Pero por dentro tiene miedo (y un poquito de rabia y odio). Pablo es más seguro, tiene claro cuál es su futuro y sabe que eso es lo que quiere. Su relación con Jen no debería ir mal, pero Jen tiene dudas, no sabe si todo esto es lo que realmente necesita. Le cuesta abrir sus sentimientos y vive confundida, pero siempre, por encima de todo (cree que) quiere a Pablo.

Unos más a flor de piel que otros, estos sentimientos parece que atraen al villano de esta historia, que no es ni mas ni menos que el Rey de las Polillas. Un ser que se alimenta de los recuerdos felices de las parejas. Un monstruo que se presenta implacable, y que de una forma o de otra se saldrá con la suya.

Ángel ha conseguido con esta historia, no solo abrir su corazón y sus experiencias, también me hace bajar a la realidad y hacer que olvide los cuentos románticos y de las historias idílicas de amor. Me obliga a ver los grises y que estos forman parte de la vida. Mezcla un relato costumbrista con una trama de misterio y acción. Personifica esos miedos que hay en las relaciones, porque a veces es más fácil luchar contra un monstruo que podemos ver que hacerlo contra algo que sólo podemos sentir, aunque sepamos que está ahí. Consigue crear tensión, en algún momento puede rascarte una sonrisa para acto seguido machacarte el corazón y hacer que pierdas la esperanza. Es complicado aglutinar todos esos sentimientos en un cómic, y no creo que pudiese haberlo conseguido sin Carlos Morote.

El dibujo de Carlos es algo que me flipa desde el primer día que lo vi. Es delicado y potente. Expresivo y limpio. Sabe utilizar la línea y los colores, y se nota la mano de la arquitectura en cada fondo. Sabe como integrar en ellos cada personaje, parece que se mueven por la página como si estuviesen animados. Conoce el lenguaje del cómic, cómo hacer que la acción fluya y no bajar el ritmo hasta que la historia lo pide.

Aquí hay muchas cosas de ambos autores, es tan íntimo que seguro que tiene chistes internos que un lector distanciado no puede captar. Un cómic en código de dos personas que se han dejado la piel. Aún así no sabría decir qué elementos pertenecen a quién. Pero en este libro hay una simbiosis tan buena que no importan los egos (aunque los haya). Sólo importa las obra. Y eso se nota en el cariño que le han puesto al escribirla/dibujarla.

Sin duda, la espera se ha hecho larga. Pues tengo entendido que este cómic iba a ver la luz hace año, mas o menos. Pero, por motivos que ya todos conocemos, ha tenido que ser ahora cuando por fin lo podamos tener en nuestras manos. Y desde luego, no decepciona. Es una historia con varias lecturas y que, además, es muy accesible para todos, lectores y no lectores. Cada uno podrá exprimirla a su manera, pero de ninguna forma va dejar indiferente.

Título: El Rey de las Polillas
Autores: Ángel Abellán y Carlos Morote
Editorial: Grafito Editorial
Precio: 16,00 €

Reseña de «Guardianes de la Galaxia»

Guardianes de la Galaxia #18 (1969)

Acaba de estrenarse en España la nueva película de Marvel, Guardianes de la Galaxia. Segunda de las películas de los grupos heroicos de La Casa de las Ideas, originalmente creado en 1969, aunque con un grupo totalmente distinto al que James Gunn nos presenta en el film. Este se basa en el nuevo equipo de Guardianes de la Galaxia creado por Dan Abnett y Andy Lanning en 2008, grupo liderado por el ya mundialmente conocido Star Lord, junto con sus compañeros; Gamora, Drax, Rocket Racoon, Groot, Adam Warlock, Phyla-Vell y Mantis. Gunn toma para la película a Star Lord, Gamora, Drax, Rocket y Groot como protagonistas para esta nueva aventura reinventada de Guardianes de la Galaxia.

Las predicciones que se hicieron sobre esta película parecen acertadas, tras una campaña exhaustiva de publicidad, creando unas expectativas bastante altas a la hora de que la película se estrenara. Y tras unas críticas bastante buenas referidas al preestreno, llega por fin el estreno oficial en nuestro país. Y ciertamente, Guardianes de la Galaxia no es para menos.

Nos encontramos con una verdadera historia de aventuras, en la que Gunn consigue transportarnos a los años 80 con una ambientación galáctica espectacular, más que espectacular (lo cual no siempre es bueno) está todo muy bien cuadrado; escenarios, actuaciones y banda sonora.

En cuanto a la caracterización de los personajes, como es habitual en las múltiples películas de Marvel, no decepcionan para nada. Sorprende ver en un principio a Star Lord con su casco característico y no como un simple homenaje, pues es imprescindible en su atuendo. Y hablando de Star Lord, en esta versión se nos presenta con una personalidad amigable y humorística, cuando lo ves piensas que no es realmente maduro como para  liderar un grupo de héroes de estas magnitudes, aunque no son héroes al uso.

Otra cosa curiosa de Star Lord es su nacimiento, medio terrícola, medio extraterrestre. Pero en la serie actual de Guardianes de la Galaxia en Marvel Now!, Peter Quill es hijo de una terrícola y de un extraterrestre llamado J’son, del planeta Spartax, el cual posee el título de Star Lord de la galaxia, he aquí un origen de su nombre. Pero hay un origen anterior a este, y es al que hacen alusión en la película, en lugar de un extraterrestre antropomorfo hablan sobre un ser etéreo y antiguo, semejante al ser original que fecunda a la madre de Quill.

Por otra parte está el resto del grupo; Gamora, la femme fatal cuyas intenciones no son lo que parecen, aunque su cambio de bando es bastante brusco y con una explicación vana y con muy poco sentido. No han conseguido reflejar algún tipo de profundidad que motivara realmente al personaje. Pero bueno, esto queda eclipsado por la grandiosa caracterización de Rocket.

Rocket es el gran personaje que todos queremos ver en una película de estas características, es la clase de personaje que siempre caerá simpático, que es un genio, no te defrauda y esperas sus escenas con total interés. Rocket un experto en armas y tecnología que, pese a su tamaño, llena la pantalla junto con su fiel acompañante Groot, el gran árbol alienígena.

Groot queda reflejado como un personaje noble, que falto con su falta de vocabulario consigue enternecernos con sus acciones, pero cuando debe volverse duro y hacer frente al peligro es una pieza clave. Te sorprende como un personaje, que en apariencia es vacío y ridículo (para aquellos que no lo conozcan previamente), pueda llegar a conectar tanto con el público.

Y por último encontramos a Drax, interpretado por Dave Bautista, el que curiosamente destaca de una forma sorprendente. Es bien conocido que los luchadores de wrestling no destacan por sus actuaciones de calidad, pero en este caso, aunque no sea una actuación digna de Oscar, si que está en consonancia con la película. Aunque Drax pueda parecer un tipo duro sin más, tiene una personalidad peculiar en cuanto a su uso del léxico y a su personalidad honorable, que recuerda a la de un samurái.

A grades rasgos, este es el grupo destinado a proteger la galaxia. En este caso ante Ronan el Acusador en un plano directo, pero Ronan está aliado con un ser mu   cho más peligroso, Thanos el ser más poderoso del universo. Por lo tanto, un gran elenco de personajes importantes, contando también con El Coleccionista.

Es una película realmente divertida, dinámica y con una acción que te atrapa. Y si comparamos con la otra película grupal de Marvel (Los Vengadores), aquí pueden tomarse ciertas licencias que con personajes más icónicos, como el Capitán América o Iron Man, no podrían tomarse. Otra cosa destacable y que siempre conseguirá sacarte una sonrisa es lo bien traída que está la banda sonora en cada escena, desde la primera hasta la última, siempre unidas por un objeto que Star Lord siempre lleva con él, disfrutando así de grandes éxitos de los ’80 mientras disfrutas de una gran película de ciencia ficción que parece sacada de los archivos de dicha época.

Pero hay una cosa de la que la mayoría de las películas de Marvel Studios es de querer dirigirlas hacia todos los públicos, limitándose en escenas que deberían ser más adultas o serias. De cualquier manera, es una película superior a la línea a la que se nos tiene acostumbrados. De hecho, ha conseguido que los Guardianes resurjan dentro de las viñetas.

Born Again, Frank Miller y David Mazzucchelli

Volver a nacer. Una purificación completa. Limpiar tus pecados y empezar de nuevo. Una segunda oportunidad; poder enmendar tus errores. ¿Quién rechazaría algo así? Pero para lograrlo antes debes perderlo absolutamente todo. Ésta es la odisea por la que pasa Matt Murdock, y también Daredevil, que son la misma persona, pero que son diferentes. Y es que cada uno comprende un modo de vida opuesto al del otro. Aún así se necesitan. Se complementan. De modo que esta es la historia del abogado ciego de la cocina del infierno, justiciero de noche, Matt Murdock, que lo pierde todo por no renunciar a una parte de sí mismo a la que no puede renunciar, aunque hay muchísima gente mala interesada en que lo haga.

Todo empieza con Karen Page. La que fuera secretaria del propio Murdock, se encuentra ahora en una situación extrema. Ha caído en la drogadicción, y sus pretensiones de ser actriz de Hollywood, se han visto sustituidas por una brillante carrera en el cine pornográfico. Las cosas no pueden irle peor; daría lo que fuera por una dosis. De modo que hace lo impensable: vender la identidad secreta de Daredevil por un asqueroso chute. La información llega a oídos de Kingping, el individuo que más daño podría desear hacerle al justiciero. Así que, por medio de un ilimitado poder de corrupción y de perversas influencias, Kingping hace todo lo posible para que éste pierda su trabajo, su casa y a sus seres queridos. Y ¡Vaya si lo consigue! De ahí en adelante, solo queda renacer de las cenizas, que no es algo que uno haga todos los días.

Lo que destaca más fuertemente de esta historia acerca del hombre sin miedo es la situación de profunda y visceral humanidad en la que llegamos a verle. Pocas veces habrá aparecido tan hundido y vulnerable. No se nos mostrara a un Daredevil con una suficiencia ilimitada para afrontar los conflictos tanto física como emocionalmente. Desaparecen todos los ideales que acostumbran a atribuirse a los héroes, por los cuales su compromiso está por encima de su propia supervivencia y solo acaba con la búsqueda de la seguridad de los inocentes y la restitución de la justicia. Aquí vemos a un Daredevil que renuncia a esos valores y los pondrá en tela de juicio. Hastiado y desesperanzado, deja de creer que la lucha contra el crimen requiera de tal sacrificio y empieza a pensar en sí mismo; a recelar de la gente. Se vuelve mentalmente frágil y proclive  a la locura. Viene a ser como cualquiera de nosotros. Pierde la fe.Y es que si algo convierte a Daredevil en Daredevil, no es llevar un traje de cuero y un palo. Es su fe. En las personas y en sí mismo. La más poderosa arma por la cual todos podemos convertirnos en héroes. Y la de Daredevil solía ser la más inquebrantable de todas. Pero Kingping ha conseguido arrebatársela y convertirlo en mero ser humano a merced de las circustancias. Aquello que antes sostenía lo que ahora no pueden sostener tan solo un puñado de músculos, ni toda la fuerza del mundo.

El aspecto espiritual tiene una gran relevancia en un personaje profundamente cristiano. Es vital en su naturaleza. Y todo gran conflicto que tenga que afrontar tiene como catalizador, en su génesis y en su resolución, un motivo de índole religiosa. La analogía de caída y resurgimiento, así como la de redención, son claro reflejo de un fundamento cristiano. Y eso es sin duda lo que dota de fuerza a una historia sobre Daredevil. Les confiere a sus historias la complejidad y resonancias emocionales suficientes como para hacerlas enormemente disfrutables. Y esta Born Again no es ninguna excepción.

Frank Miller demuestra sus capacidades como narrador, para manifestar la quintaesencia de este personaje. Con un desarrollo de los personajes elaborado y puntilloso, provee a la historia de épica y hace malabarismos manejando las tramas y subtramas que la componen. Así todo tiene un peso específico. Nada se deja al azar. Y si antes hablábamos de la necesidad de una redención, está no se limita solo a Daredevil, sino que todos los personajes tienen que hacer su pequeño acopio de fuerza personal y arrojar su pequeña aportación a una causa que los vincula a todos. Que es la lucha contra el mal. Siendo este un mal externo (gordo y calvo, por lo general), o uno que procede de ellos mismos. Así, Karen Page tiene que superar su dependencia de las drogas, que la tiene esclavizada; Foggy y Ulrich tienen que superar sus propios miedos y hacer un último esfuerzo por apoyar a su amigo, que los necesita. Y todos necesitarán de la ayuda de todos para lograrlo. Por ello, cada elemento tiene un peso específico en la trama. Y Frank Miller consigue resolverlo todo magistralmente; si bien con algo de precipitación en el final, siendo éste algo súbito y anti climático. Pero la fuerza del viaje es innegable y os atrapará. Una obra modélica para introducirse en la genealogía de un personaje emblemático.

 

Rubén Vicente

Un pequeño asesinato, de Alan Moore y Oscar Zárate

Un pequeño asesinato es una obra extrañísima y muy personal de Alan Moore y el dibujante Oscar Zárate. Y es que, aunque pueda parecer impropio de un autor que tiende a abundar más en historietas de superhéroes, o fantásticas en general, este breve relato íntimo y terrenal esconde unos principios universales con los que resulta fácil identificarse. Sobre todo al alcanzar cierta edad: la crisis existencial y de identidad, lo esquivo de algunos recuerdos, los traumas de la infancia…

Se nos presenta a Timothy Hole. Un creativo de publicidad cuya carrera va en ascenso, pero que ha dejado atrás un matrimonio convulso. Este se irá reconstruyendo a lo largo de numerosos flashbacks que se irán intercalando con la línea narrativa principal. Esta es, un niño extraño y que no se sabe muy bien de donde ha salido se le aparece al protagonista en los momentos más inoportunos, consiguiendo a veces ponerle en apuros. Este niño parece tener algo que ver con él. Quizá represente una parte de sí mismo o quizá se trate de una versión de su niñez. En cualquier caso, Moore nos lo contará, sin ofrecer respuestas fáciles ni resoluciones satisfactorias, mientras se mueve a caballo entre Inglaterra y los EE.UU. Podría ser perfectamente una historia autobiográfica. De ahí, que resulte una de sus obras más personales y genuinas.

Los dos autores adoptan un enfoque de la historia claustrofóbico y laberíntico, casi surrealista; haciendo hincapié en la atmósfera y acentuando la sensación de paranoia, de persecución, e incluso de pérdida de contacto con la realidad. El seguimiento al que le está sometiendo ese niño y sus dolorosos recuerdos le están haciendo perder la cabeza. Es un hombre normal, que se enfrenta  a una situación para la que no está preparado, y de la que no puede escapar, ya que seguramente esté ocurriendo en su propia cabeza.

Para recrear este viaje, resulta inestimable el aporte de Zárate en la ilustración. Sus dibujos confieren cualidades vaporosas a los personajes y escenarios y acentúan la pertinente sensación de irrealidad que puebla el comic. Me parecen espectaculares sus grandes composiciones. Con locales de ocio urbanitas abarrotados de gente; grandes avenidas surcadas de neón; alienantes aeropuertos bulliciosos. Todo ello contrastaría con zonas más pueblerinas, más abandonadas, casi fantasmales, que se identifican más con la infancia (como por ejemplo el lugar de origen del protagonista. Consigue dotar a las imágenes de una sensación propia de los albores del siglo 20(la historia se ambienta en los años 80), donde asolan males como la despersonalización, el feroz capitalismo, la incomunicación y la pérdida del rumbo marcado por nuestros sueños. Apoyándose en el magnífico uso del color, que aporta una variedad cromática en función de las localizaciones y de los sentimientos de los personajes, que yo pocas veces he visto en un comic.

Moore realiza aquí uno de sus frecuentes pinitos experimentales poniendo voz a lo que acostumbra a esconderse. Esto es, el protagonista deambula mientras habla con alguien por escenarios donde se da una gran afluencia de gente, y sus diálogos se confunden con los de tantos seres anónimos que en ese momento hablan de sus cosas; triviales siempre como siempre nos lo resultan las cosas de los demás. Aparecen sus temas de conversación de forma fragmentada e inconexa, como pedazos de charla que puedes discernir si te acercas lo suficiente a ese pequeño círculo social de la esquina, o a esa otra pareja que está apoyada en la barra. Se remarca la aleatoriedad del hecho y lo efímero de la existencia humana.

En última instancia, Un pequeño asesinato se manifiesta como un rompecabezas al que siempre le faltará una pieza. Esa pieza eres tú. De ahí lo universal del relato y lo abierto de sus interpretaciones. Es una historia que tendremos que completar con nuestra propia experiencia vital, pero que quizá nunca lleguemos a comprender del todo igual que es difícil comprenderse uno mismo. Por ello, me parece un cómic de lo más recomendable. Modesto y atípico, sin grandes ambiciones realmente, pero de más hondo alcance espiritual. Este es el pequeño asesinato universal de Alan Moore y Oscar Zarate. Un asesinato que todos cometemos tarde o temprano en nuestras vidas.

EL PROBLEMA CON «MIRACLEMAN». SU ARDUO CAMINO HACIA EL SIGLO XXI

Portada de Miracleman #1 (2014)

Hablemos de Miracleman. Un cómic que marcó la diferencia, incluido entre las tres obras más importantes del genio guionista Alan Moore. Fue una revolución relacionada con el mundo de los superhéroes y la forma de narrar dentro de unas viñetas, mucho antes incluso de que el mismo Moore creara Watchmen.

Miracleman estuvo desaparecido de las estanterías del mundo entero prácticamente veinte años, y ahora, en Agosto de 2014, Panini Comics nos trae esta edición en la que, curiosamente, el nombre de Alan Moore no figura en ninguna parte de la edición, es más incluso en la historia del personaje omiten la cita, en su lugar, se nombra al autor como «El guionista original». La pregunta es, ¿qué pasó para que desapareciera por completo?

Está claro, visto lo visto, que fue el propio Moore el que renegó de todo lo que tuviera que ver con Marvel y este personaje. Es mundialmente conocida la mentalidad del guionista británico ante la vida, su posición anarquista, su esoterismo y filosofía. Es posible que esto creara rencillas entre compañeros, y aunque fuera él quien recuperó el personaje de los años 50, creado por el británico Mick Anglo, más tarde cedería todos sus derechos a Neil Gaiman, al igual que el dibujante Alan Davis se los daría a Garry Leach, pues una trifulca entre Davis y Moore desembocó en que ambos abandonaran el proyecto. Más tarde Gaiman administró los derechos para que Mark Buckingham se convirtiera en el nuevo dibujante de la serie.

Portada de Miracleman #1 (1985)

Tras el cierre de la editorial Quality Communications (la cual se encargaba de Miracleman en un principio), los derechos correspondientes a la edición los compra Eclipse, la cual quiebra en 1994, para que dos años más tarde surja de entre las sombras Todd McFarlane, comprando todos los derechos de Eclipse, incluido Miracleman.

Es aquí donde vuelve a entrar en acción Gaiman, pues había realizado trabajos para Image, creando personajes dentro de la series Spawn: Angela, Medieval Spawn y Cagliostro, es cuando McFarlane decide relanzar Miracleman sin permiso de Gaiman, por lo que este reclama los derechos de todas sus creaciones dentro de Image.

Ya podéis imaginar lo que esto supuso, una serie de pleitos sobre derechos de propiedad intelectual, en los que no solo Gaiman participó, sino que incluyó también a Moore y Buckingham. Aparentemente, podía haberse resuelto rápidamente con el trato que McFarlane ofreció a Gaiman; devolverle todos sus derechos de Miracleman a cambio de los creados en Spawn, pero debido a un acto de avaricia y cobardía, McFarlane retiró su oferta de la mesa obligando a Neil Gaiman a crear Marvels and Miracles LLC., una compañía dedicada exclusivamente a luchar por los derechos de Miracleman.

Es por esto que la obra de Miracleman desapareció de las editoriales, puesto que hasta que el pleito no acabara, del cual Gaiman ha conseguido salir victorioso, no podría publicarse.

Por lo tanto es el momento de redescubrir (o descubrir, para los no habían nacido o no sabían de su existencia) uno de los cómics más importantes y polémicos de los años 80, y ya no sólo por lo que ha costado rescatarlo de las oscuras fauces del anonimato, si no porque su historia supone un antes y un después en la narración dentro de los cómics.

Fuentes: http://www.entrecomics.com/?p=1690 / http://www.icv2.com/articles/news/1883.html

LA GRAN NOVEDAD DE AGOSTO. POR LIBRERÍA «ACTION CÓMICS»

De entre todas las novedades de este verano, hay una que destaca por encima, y a mucha distancia. El Miracleman de Alan Moore, uno de los mejores cómics que ha escrito el barbudo, y eso es decir mucho, viniendo del que está considerado como el mejor guionista de cómics de todos los tiempos.

Miracleman, una reinterpretación del concepto del superhéroe, llevada hacia terrenos muy oscuros, y por momentos, aterradores. Una obra brutal que no se había reeditado desde hace más de 20 años.

Si solo puedes comprar un cómic este mes, no lo dudes, que sea éste.

Rubén López

Puedes consultar precio y adquirirlo en: https://www.facebook.com/actioncomicsmurcia?fref=ts

HÉROES ENTRE MILES DE MUNDOS. THE MULTIVERSITY. GRANT MORRISON

Posible portada The Multiversity #1. Ivan Reis y Joe Prado. (2014)

Una de las grandes y esperadas noticias, que fue revelada en la pasada Comic-Con de San Diego, fue sin duda el evento que el guionista Grant Morrison está preparando para el próximo mes de Agosto: The Multiversity.

Este proyecto ya fue anunciado en 2009, y fue catalogado como una idea que «nunca se llevaría a cabo», en cambio la mente de Morrison fue tanteando el terreno, creando 52, la antesala a este gran proyecto que muy pronto verá la luz.

El motivo de la expansión del multiverso de DC, que comenzó en 1961 en el Flash of Two Worlds de Carmine Infantino, es la de ampliar las posibilidades metafísicas que un cómic de superhéroes puede ofrecer, y es algo característico dentro del estilo del guionista escocés. Podríamos encontrarnos por tanto con un panorama dentro de las viñetas parecido al de principios de los años 80, previo a Crisis on Infinite Earths.

Pero Morrison no estará solo, pues cuenta con un gran elenco de dibujantes de elite que participan y aportan ideas dentro del proyecto; Ivan Reis, Frank Quitely, Cameron Stewart, Chris Sprouse y Karl Story, entre otros muchos.

Mapa del Multiverso de Grant Morrison por Rian Hugues

The Multiversity viene cargado de promesas y esperanzas, sobre todo de revitalización para el Universo DC, y esperemos que realmente cumpla las expectativas

Pepe Hernández

“Death of Superman lives”, o cómo hubiera sido una película de Superman dirigida por Tim Burton.

Parece que aquel proyecto que estuvo a punto de ver la luz en el que Tim Burton dirigiría una adaptación de Superman, protagoniza por Nicolas Cage con traje negro y luces de neón, tuvo más miga de lo que al final llegamos a saber. De tal manera, que dentro de poco podrá verse un documental, que contarnos rodos los pormenores que hubo en su preproducción, así como las circunstancias que provocaron que finalmente no llegara a tener lugar.

Escrito y dirigido por John Schnepp, el documental contará con apariciones del propio Tim Burton, Grant Morrison, Lorenzo Di Bonaventura(productor) y Kevin Smith, que escribió un borrador del film.

Sin fecha de lanzamiento todavía, pero aquí dejamos el trailer que se mostró en la Comic-Con de San Diego.

 

Rubén Vicente

From Hell. Alan Moore & Eddie Campbell

 

Es difícil, a la hora de escribir una reseña, estar a la altura, o más bien hacer justicia a un comic como “From Hell”. Podría usar calificativos: “Es muy bueno”; “una obra maestra”; “te pone los huevos por corbata”… Pero nada de ello os acercaría a la experiencia que supone leerlo; ni mucho menos sería representativo del gozo y la pasión que me embargaron cuando yo lo hice. Se trata de una obra muy difícil de describir. Multidimensional, compleja, oscura, erudita. Imposible de clasificar ¿Es una historia detectivesca? ¿Un relato de terror? ¿Una novela filosófica? Podríamos incluso verla como una novela histórica, sin duda. Todas estas facetas conviven y se entrecruzan aquí. Se hallan en perfecto equilibrio y dan lugar a una obra de amplio alcance, que difícilmente discriminará los gustos de ningún lector. Es un comic que exige bastante, pero que recompensa mucho más. Que seguramente se beneficia de una segunda lectura, pero que en cualquier caso, debe ser leída con entrega y atención por los detalles, pues se trata de un contendiente duro, que no hace prisioneros y que puede dejar atrás a más de uno. Alan Moore propone un viaje oscuro del que, al igual que sus personajes no saldrás igual de inocente que cuando llegaste.

La historia se sitúa en el Londres del siglo XIX. En los albores de una época a punto de extinguirse y de caer en el olvido. En ella, cuatro prostitutas chantajean a un miembro de la familia real con la amenaza de revelar una escandalosa y polémica información. Se trata de asuntos turbios de corona que la realeza buscará encubrir. Para ello, encomiendan al doctor William Gull la tarea de deshacerse de ellas. Para realizar la pertinente investigación, el inspector Abberline es enviado a Whitchapel. Allí, tratará de descubrir la autoría de los asesinatos. Se trata de un policía íntegro pero cínico, que no cree en que las cosas se puedan recuperar y que prefiere alejarse del centro de la degradación y el horror que lo impregnan todo y que amenazan con corromper su propia alma.

Moore, en base a una puntillosa investigación y a su amplia erudición, reconstruye una época y unos hechos, que tuvieron un enorme calado en la historia de su país y en la de toda la humanidad. Unos eventos en torno a los cuales siempre giraron el ocultismo y las especulaciones y que nunca llegaron a constatarse del todo. El escritor propone una aproximación veraz, rigurosa y estudiada de lo que pudo haber ocurrido. De manera que muy probablemente las cosas ocurrieran como él las relata. En cualquier caso, no busca la exactitud histórica, ni revelar nada que no se sepa. Moore se sirve de la laxitud de estos hechos para configurar su propia verdad a cerca de unos personajes, una región y un período que nos vincula a todos en el tiempo, y sin los cuales no podríamos entender el mundo contemporáneo.

El mago de Northampton nos habla de la necesidad de conocer la historia para conocernos a nosotros mismos. Pues todos los hechos están tallados en la piedra del tiempo, y configuran un mapa genealógico que nos permite saber el fundamento de nuestra civilización. Para la representación de estas ideas, Alan Moore utiliza conceptos habituales de su obra como el determinismo o el flujo cíclico del tiempo, por el que los hechos vuelven a ocurrir en distintos períodos de la historia. También hace referencia a multitud de obras y disciplinas artísticas como la arquitectura, la pintura o la literatura londinenses. Escritores como Oscar Wilde o William Blake. Imbuye de magia y poder a todas estas obras. Poder sobre nosotros, sobre nuestra cultura. O más concretamente la de gran Bretaña. La influencia de estos símbolos(iglesias, esculturas, torres, cuadros…)configura nuestra mentalidad y nos convierten en marionetas de los actos divinos de creación. Actos que provienen ni más ni menos que de los propios hombres. Los hombres comprendidos como los hombres de gran ambición y genio. Moore utiliza estos elementos diseminados a lo largo de la historia para arrojar un sentido mágico sobre las cosas que damos por sentadas y a las que hemos dado la espalda, para devolver la fascinación a nuestra vista cansada de tanto ver. Una constante en la obra del escritor inglés.

William Gull, el protagonista de esta historia, sería uno de esos hombres de ambición y genio. Es indudablemente bueno en lo que hace; un cirujano eminente y reputado. Es el cirujano real, encomendado a asesinar a las prostitutas. Pero tiene sus propios intereses cruzados dentro de la tarea que le han asignado. Como buen científico, es siempre inquisitivo y buscará equiparar sus actos a los de Dios. Unos actos que se mueven entre los visionario y lo demente. De esta búsqueda de lo divino se deriva lo transgresor y sangriento de sus actos, pues considera que solo de la perpetración de actos abominables podemos aproximarnos a nuestra esencia divina. Esta forma de proceder, no será vista así por su sociedad, que se verá sacudida e impactada por tanta violencia. Sus resonancias afectarán la vida de los distintos personajes, los cuales se moverán en la ignorancia o en el puro pánico a una amenaza latente. Moore adopta el punto de vista del asesino para narrar los hechos. Es decir, de manera totalmente inusual, la identidad del asesino no será ocultada, ni se moverá entre lo confuso hasta que sea revelada en un supuesto final sorprendente. Aquí es el personaje principal desde los primeros instantes, y Moore nos habla de su pasado y no oculta nada sobre la naturaleza de sus actos ni los intereses de la realeza que hay detrás de ellos. Alan Moore describe un uso ilegitimo y abusivo del poder, que nos remite a las historias conspiranóicas de Thomas Pynchon. Se trata de una versión de los hechos y no se propone un debate sobre si es cierta o no. No es lo que importa aquí.

Lo que importa son cosas como los personajes. William Gull es uno de ellos y está perfectamente retratado. Moore nos cuenta su infancia, sus motivaciones, su vida cotidiana, su fuerte carácter. Todo ello, sólidamente detallado. Le provee de una jerga perfecta y erudita, acorde a su estatus y cultura. Es un hombre elocuente y reflexivo de la boca del cual se servirá Moore para divertirse a lo grande exponiendo sus complejas ideas y explicando complicados entresijos de la trama. Todos los personajes tienen este nivel de desarrollo y profundidad, y el comic se beneficia enormemente de ello para hacer avanzar emocional y narrativamente la trama. El inspector Abberline es el perfecto personaje con el que empatizarás. Ha visto mucho y está de vuelta de todo. Ya estuvo en Whitchapel, y salió hediondo y traumatizado de allí. Ahora se ve obligado a volver y cualquier paso en falso podría costarle su propia alma. Es un personaje muy humano. Le veremos superado por las circunstancias, confuso, desesperado, pero siempre albergando una fuerte templanza y determinación que le ayudará a superar las adversidades. Sus réplicas son agudas y cargadas de cinismo, y hacen acto de presencia ante lo incompetente y lo corrupto de su entorno. Se convierte en el perfecto acompañante para guiar al lector en este viaje emocional. El último personaje de envergadura y que junto a los otros dos articula el tridente que cataliza toda la historia, es Mary Jean Kelly. La prostituta que chantajea a la familia real. Kelly tiene dos importantes roles en esta historia. Por un lado, es un componente primordial a la hora de involucrar emocionalmente al lector. Su situación es desesperada, está sentenciada y lo sabe. Vive sus últimas horas, las cuales vive con impotencia y desesperación. Su baile con la muerte incendiará las entrañas del lector, le hará preocuparse por ella y sufrir con ella y será un factor importante en la creación de una excelente tensión en los últimos compases de la historia. Por otro lado, es icono y víctima de una realidad social que representa a la perfección. La de los suburbios del Londres del siglo XIX. Un mal sueño poblado de prostitutas, inmundicia, pobreza y analfabetismo. Una realidad magníficamente representada por Moore, y Eddie Campbell, que nos acercan a ella con visceralidad, reflejando ese modo de vida, la forma de hablar, la fugacidad del ser humano en un entorno tan hostil, donde lo que se busca es sobrevivir. El dibujo de Campbell por su parte, minimalista, en blanco y negro, ayuda a representar esas calles ensuciadas por una moral ennegrecida y contribuye a ensombrecer aún más la historia. El resto de personajes aunque de menor desarrollo, son igualmente capitales para la composición de la obra, y en el peor de los casos, ayudan a representar esa degradación moral y esa época, o simplemente son partícipes de acertadas notas de humor. Todos los elementos ayudan a enriquecer en cierta medida el universo de “From Hell”.

El tono de la obra es evidentemente adulto. Sin cortarse un pelo a la hora de mostrar violencia y sexo, y hábitos alcohólicos. La violencia de los asesinatos es mostrada con gusto por el detalle, y a la hora de lograr su impacto tiene mucho que ver la ingente cantidad de datos médicos que maneja Moore en la obra. Ya sea a la hora de las autopsias, o mediante las quirúrgicas explicaciones que el propio Gull hace de sus asesinatos, basadas en un vastísimo conocimiento plagado de datos técnicos, que sin duda ayudan a revolver más las tripas, tanto literal como metafóricamente. El sexo es mostrado explícitamente y a menudo en condiciones malsanas. Sobre todo cuando es vinculado a las prostitutas, realizándolo sin protección y en lugares poco recomendables, que las exponen a todo tipo de riesgos infecciosos.

Podría escribir unas cuantas páginas más sobre “From Hell”, y aún así no conseguiría abarcar su monumentalidad. Un logro que sin duda resitúa al comic como un arte mayor y reivindicable. Un medio con unas características propias, que Alan Moore explota hasta la extenuación, dando lugar a momentos y escenas que solo se podrían hacer en viñetas, otorgándole autonomía e identidad a dicho medio. Haciendo gala de cierto carácter experimental y siempre innovador. Moore combina todos sus elementos y sus distintas lecturas mediante un guión que soporta el fuego. Pese a la complejidad de sus tramas y de las ideas que porta, consigue que todo esté perfectamente expuesto, magistralmente dosificado a lo largo de las páginas. Cerrado y resuelto con precisión. Golpea tu estomago y tu mente por igual. Y resonará con fuerza en tu subconsciente, para no dejarte escapar nunca.

Rubén Vicente

FLECHAZO AL EISNER. DAVID AJA Y SU «HAWKEYE»

Portada de Hawkeye #11: «Pizza Is My Business». Marvel Comics. (2014)

David Aja. Dibujante de Valladolid, a sus 37 años de edad, ha vuelto a hacerse con dos premios Eisner, los pre
mios más importantes del cómic.

El pasado día 26 de julio recibió el Eisner a mejor portadista por segundo año consecutivo con Hawkeye, exactamente igual que en 2013; y a mejor número junto con el guionista Matt Fraction con Hawkeye #11: Pizza Is My Business.

Aja es un artista muy completo, busca una constante innovación dentro de su dibujo, evitando así la monotonía y creando estilos muy diversos. Lleva muchos años en el negocio, y con cada historia y dibujo se supera a sí mismo. Ha sido ahora, con Hawkeye y su estilo minimalista, muy poco propio de Ojo de Halcón, y junto con los guiones humanistas de Fraction, cuando se está reconociendo toda una carrera. Una carrera, esperemos, que dure mucho tiempo.

A continuación, adjuntaré la lista de los nominados y ganadores (resaltados en negrita) de todas las categorías de estos premios Eisner 2014, entre los que, además de David Aja, destacan varios artistas españoles. Desafortunadamente no lograron alzarse con el premio. Aun así, España está cada vez más presente dentro de este mundo.

Enhorabuena para todos.

Mejor historia corta
“Go Owls,” de Adrian Tomine, en Optic Nerve #13 (Drawn & Quarterly)
“Mars to Stay,” de Brett Lewis and Cliff Chiang, in Witching Hour (DC)
“Seaside Home,” de Josh Simmons, in Habit #1 (Oily)
“Untitled,” de Gilbert Hernandez, in Love and Rockets: New Stories #6 (Fantagraphics)
“When Your House Is Burning Down, You Should Brush Your Teeth,” de Matthew Inman, theoatmeal.com/comics/house

Mejor número unitario (o one-shot)

Demeter, Becky Cloonan (self-published)
Hawkeye #11: “Pizza Is My Business,” Matt Fraction y David Aja (Marvel)
Love and Rockets: New Stories #6, Gilbert Hernandez y Jaime Hernandez (Fantagraphics)
Viewotron #2, Sam Sharpe (self-published)
Watson and Holmes #6, Brandon Easton, y N. Steven Harris (New Paradigm Studios)

Mejor serie regular

East of West, Jonathan Hickman y Nick Dragotta (Image)
Hawkeye, Matt Fraction y David Aja (Marvel)
Nowhere Men, Eric Stephenson y Nate Bellegarde (Image)
Saga, Brian K. Vaughan y Fiona Staples (Image)
Sex Criminals, Matt Fraction y Chip Zdarsky (Image)

Mejor serie limitada
The Black Beetle: No Way Out, Francesco Francavilla (Dark Horse)
Colder, Paul Tobin y Juan Ferreyra (Dark Horse)
47 Ronin, Mike Richardson y Stan Sakai (Dark Horse)
Trillium, Jeff Lemire (Vertigo/DC)
The Wake, Scott Snyder y Sean Murphy (Vertigo/DC)

Mejor serie nueva

High Crimes, Christopher Sebela y Ibrahim Moustafa (Monkeybrain)
Lazarus, Greg Rucka y Michael Lark (Image)
Rat Queens, Kurtis J. Wiebe y Roc Upchurch (Image/Shadowline)
Sex Criminals, Matt Fraction y Chip Zdarsky (Image)
Watson and Holmes, Karl Bollers, Rick Leonardi, Paul Mendoza et al. (New Paradigm Studios)

Mejor publicacion pequeños lectores (hasta 7 años)

Benjamin Bear in Bright Ideas, by Philippe Coudray (TOON Books)
The Big Wet Balloon, by Liniers (TOON Books)
Itty Bitty Hellboy, by Art Baltazar and Franco (Dark Horse)
Odd Duck, by Cecil Castellucci and Sara Varon (First Second)
Otto’s Backwards Day, by Frank Cammuso (with Jay Lynch) (TOON Books)

Mejor publicacion infantil (8-12 años)

The Adventures of Superhero Girl, by Faith Erin Hicks (Dark Horse)
Hilda and the Bird Parade, by Luke Pearson (Nobrow)
Jane, the Fox, and Me, by Fanny Britt and Isabelle Arsenault (Groundwood)
The Lost Boy, by Greg Ruth (Graphix/Scholastic)
Mouse Guard: Legends of the Guard, vol. 2, edited by David Petersen, Paul Morrissey, and Rebecca Taylor (Archaia/BOOM!)
Star Wars: Jedi Academy, by Jeffrey Brown (Scholastic)

Mejor publicación juvenil (13-17 años)

Battling Boy, by Paul Pope (First Second)
Bluffton: My Summers with Buster, by Matt Phelan (Candlewick)
Boxers and Saints, by Gene Luen Yang (First Second)
Dogs of War, by Sheila Keenan and Nathan Fox (Graphix/Scholastic)
March (Book One), by John Lewis, Andrew Aydin, and Nate Powell (Top Shelf)
Templar, by Jordan Mechner, LeUyen Pham, and Alex Puviland (First Second)

Mejor publicación humorística

The Adventures of Superhero Girl, by Faith Erin Hicks (Dark Horse)
The Complete Don Quixote, by Miguel de Cervantes and Rob Davis (SelfMadeHero)
The (True!) History of Art, by Sylvain Coissard and Alexis Lemoine (SelfMadeHero)
Vader’s Little Princess, by Jeffrey Brown (Chronicle)
You’re All Just Jealous of My Jetpack, by Tom Gauld (Drawn & Quarterly)

Mejor Antología

Dark Horse Presents, edited by Mike Richardson (Dark Horse)
Nobrow #8: Hysteria, edited by Sam Arthur and Alex Spiro (Nobrow)
Outlaw Territory, edited by Michael Woods (Image)
Smoke Signal, edited by Gabe Fowler (Desert Island)
Thrilling Adventure Hour, by Ben Acker, Ben Blacker et al. (Archaia/BOOM!)

Mejor Comic Digital

As the Crow Flies, by Melanie Gillman, www.melaniegillman.com
Failing Sky, by Dax Tran-Caffee, failingsky.com
High Crimes, by Christopher Sebela and Ibrahim Moustafa (Monkeybrain),www.monkeybraincomics.com/titles/high-crimes/
The Last Mechanical Monster, by Brian Fies, lastmechanicalmonster.blogspot.com
The Oatmeal by Matthew Inman, theoatmeal.com

Mejor trabajo basado en la realidad

A Bag of Marbles, by Joseph Joffo, Kris, and Vincent Bailly (Graphic Universe/Lerner)
The Fifth Beatle: The Brian Epstein Story, by Vivek J. Tiwary, Andrew C. Robinson, and Kyle Baker (M Press/Dark Horse)
Hip Hop Family Tree, vol. 1, by Ed Piskor (Fantagraphics)
March (Book One), by John Lewis, Andrew Aydin, and Nate Powell (Top Shelf)
Today Is the Last Day of the Rest of Your Life, by Ulli Lust (Fantagraphics)
Woman Rebel: The Margaret Sanger Story, by Peter Bagge (Drawn & Quarterly)

Mejor álbum gráfico (nuevo)

Bluffton: My Summers with Buster, by Matt Phelan (Candlewick)
The Encyclopedia of Early Earth, by Isabel Greenberg (Little, Brown)
Good Dog, by Graham Chaffee (Fantagraphics)
Homesick by Jason Walz (Tinto Press)
The Property, by Rutu Modan (Drawn & Quarterly)
War Brothers, by Sharon McKay and Daniel LaFrance (Annick Press)

Mejor adaptación de otro medio

The Castle, by Franz Kafka, adapted by David Zane Mairowitz and Jaromír 99 (SelfMadeHero)
The Complete Don Quixote, by Miguel de Cervantes, adapted by Rob Davis (SelfMadeHero)
Django Unchained, adapted by Quentin Tarantino, Reginald Hudlin, R. M. Guéra et al. (DC/Vertigo)
Richard Stark’s Parker: Slayground, by Donald Westlake, adapted by Darwyn Cooke (IDW)
The Strange Tale of Panorama Island, by Edogawa Rampo, adapted by Suehiro Maruo (Last Gasp)

Mejor álbum gráfico (reimpresión)

The Creep, by John Arcudi and Jonathan Case (Dark Horse)
Hand-Drying in America and Other Stories, by Ben Katchor (Pantheon)
Heck, by Zander Cannon (Top Shelf)
Julio’s Day, by Gilbert Hernandez (Fantagraphics)
RASL, by Jeff Smith (Cartoon Books)
Solo: The Deluxe Edition, edited by Mark Chiarello (DC)

Mejor colección o proyecto de archivo de tiras de prensa

Barnaby, vol. 1, by Crockett Johnson, edited by Philip Nel and Eric Reynolds (Fantagraphics)
Percy Crosby’s Skippy Daily Comics, vol. 2: 1928–1930, edited by Jared Gardner and Dean Mullaney (LOAC/IDW)
Prince Valiant vols. 6-7, by Hal Foster, edited by Kim Thompson (Fantagraphics)
Society Is Nix: Gleeful Anarchy at the Dawn of the American Comic Strip, edited by Peter Maresca (Sunday Press)
Tarzan: The Complete Russ Manning Newspaper Strips, vol. 1, edited by Dean Mullaney (LOAC/IDW)
VIP: The Mad World of Virgil Partch, edited by Jonathan Barli (Fantagraphics)

Mejor colección o proyecto de archivo de cómic

Best of EC Artist’s Edition, edited by Scott Dunbier (IDW)
Canteen Kate, by Matt Baker (Canton Street Press)
In the Days of the Mob, by Jack Kirby (DC)
MAD Artist’s Edition, edited by Scott Dunbier (IDW)
Will Eisner’s The Spirit Artist’s Edition, edited by Scott Dunbier (IDW)

Mejor edición norteamericana de material internacional

Adventures of a Japanese Businessman, by Jose Domingo (Nobrow)
Goddam This War! by Jacques Tardi and Jean-Pierre Verney (Fantagraphics)
Incidents in the Night, Book One, by David B. (Uncivilized Books)
Today Is the Last Day of the Rest of Your Life, by Ulli Lust (Fantagraphics)
When David Lost His Voice, by Judith Vanistendael (SelfMadeHero)

Mejor edición norteamericana de material internacional (Asia)

The Heart of Thomas, by Moto Hagio (Fantagraphics)
The Mysterious Underground Men, by Osamu Tezuka (PictureBox)
Showa: A History of Japan, 1926–1939, by Shigeru Mizuki (Drawn & Quarterly)
Summit of the Gods, vol. 4, by Yemmakura Baku and Jiro Taniguchi (Fanfare/Ponent Mon)
Utsubora: The Story of a Novelist, by Asumiko Nakamura (Vertical)

Mejor guionista

Kelly Sue DeConnick, Pretty Deadly (Image); Captain Marvel (Marvel)
Matt Fraction, Sex Criminals (Image); Hawkeye, Fantastic Four, FF (Marvel)
Jonathan Hickman, East of West, The Manhattan Projects (Image); Avengers, Infinity (Marvel)
Scott Snyder, Batman (DC); American Vampire, The Wake (DC/Vertigo)
Eric Stephenson, Nowhere Men (Image)
Brian K. Vaughan, Saga (Image)

Mejor guionista/dibujante (autor completo)

Isabel Greenberg, The Encyclopedia of Early Earth (Little, Brown)
Jaime Hernandez, Love and Rockets New Stories #6 (Fantagraphics)
Terry Moore, Rachel Rising (Abstract Studio)
Luke Pearson, Hilda and the Bird Parade (Nobrow)
Matt Phelan, Bluffton: My Summers with Buster (Candlewick)
Judith Vanistendael, When David Lost His Voice (SelfMadeHero)

Mejor dibujante o equipo de dibujante y entintador

Nate Bellegarde, Nowhere Men (Image)
Nick Dragotta, East of West (Image)
Sean Murphy, The Wake (DC/Vertigo)
Nate Powell, March (Book One) (Top Shelf)
Emma Ríos, Pretty Deadly (Image)
Thomas Yeates, Law of the Desert Born: A Graphic Novel (Bantam)

Mejor artista multimedia/dibujante (arte interior)

Andrew C. Robinson, The Fifth Beatle (Dark Horse)
Sonia Sanchéz, Here I Am (Capstone)
Fiona Staples, Saga (Image)
Ive Svorcina, Thor (Marvel)
Marguerite Van Cook, 7 Miles a Second (Fantagraphics)
Judith Vanistendael, When David Lost His Voice (SelfMadeHero)

Mejor portadista

David Aja, Hawkeye (Marvel)
Mike Del Mundo, X-Men Legacy (Marvel)
Sean Murphy/Jordie Belaire, The Wake (DC/Vertigo)
Emma Ríos, Pretty Deadly (Image)
Chris Samnee, Daredevil (Marvel)
Fiona Staples, Saga (Image)

Mejor colorista

Jordie Bellaire, The Manhattan Projects, Nowhere Men, Pretty Deadly, Zero (Image); The Massive (Dark Horse); Tom Strong (DC); X-Files Season 10 (IDW); Captain Marvel, Journey into Mystery (Marvel); Numbercruncher (Titan); Quantum and Woody (Valiant)
Steve Hamaker, Mylo Xyloto (Bongo), Strangers in Paradise 20th Anniversary Issue 1 (Abstract Studio), RASL (Cartoon Books)
Matt Hollingsworth, Hawkeye, Daredevil: End of Days (Marvel); The Wake (DC/Vertigo)
Frank Martin, East of West (Image)
Dave Stewart, Abe Sapien, Baltimore: The Infernal Train, BPRD: Hell on Earth, Conan the Barbarian, Hellboy In Hell, The Massive, The Shaolin Cowboy, Sledgehammer 44 (Dark Horse)

Mejor rotulista

Darwyn Cooke, Richard Stark’s Parker: Slayground (IDW)
Carla Speed McNeil, Bad Houses; “Finder” in Dark Horse Presents (Dark Horse)
Terry Moore, Rachel Rising (Abstract Studio)
Ed Piskor, Hip Hop Family Tree (Fantagraphics)
Britt Wilson, Adventure Time with Fiona and Cake (kaBOOM!)

Mejor publicación periódica o periodística relacionada con los cómics

Comic Book Resources, produced by Jonah Weiland, http://www.comicbookresources.com
The Comics Journal #302, edited by Gary Groth and Kristy Valenti (Fantagraphics)
Comics and Cola, by Zainab Akhtar, www.comicsandcola.com
Multiversity Comics, edited by Matthew Meylikhov, www.multiversitycomics.com
tcj.com, edited by Dan Nadel and Timothy Hodler (Fantagrapahics), www.tcj.com

Mejor libro relacionado con los cómics

Al Capp: A Life to the Contrary, by Michael Schumacher and Denis Kitchen (Bloomsbury)
The Art of Rube Goldberg, selected by Jennifer George (Abrams ComicArts)
Co-Mix: A Retrospective of Comics, Graphics, and Scraps, by Art Spiegelman (Drawn & Quarterly)
Genius, Illustrated: The Life and Art of Alex Toth, by Dean Mullaney and Bruce Canwell (LOAC/IDW)
The Love and Rockets Companion, edited by Marc Sobel and Kristy Valenti (Fantagraphics)

Mejor libro académico educaciónal de cómics

Anti-Foreign Imagery in American Pulps and Comic Books, 1920–1960, by Nathan Vernon Madison (McFarland)
Black Comics: Politics of Race and Representation, edited by Sheena C. Howard and Ronald L. Jackson II (Bloomsbury)
Drawing from Life: Memory and Subjectivity in Comic Art, edited by Jane Tolmie (University Press of Mississippi)
International Journal of Comic Art, edited by John A. Lent
The Superhero Reader, edited by Charles Hatfield, Jeet Heer, and Ken Worcester (University Press of Mississippi)

Mejor diseño de publicación

The Art of Rube Goldberg, designed by Chad W. Beckerman (Abrams ComicArts)
Beta Testing the Apocalypse, designed by Tom Kaczynski (Fantagraphics)
Genius, Illustrated: The Life and Art of Alex Toth, designed by Dean Mullaney (LOAC/IDW)
The Great War: July 1, 1916: The First Day of the Battle of the Somme: A Panorama, by Joe Sacco, designed by Chin-Yee Lai (Norton)
Little Tommy Lost, Book 1, designed by Cole Closser (Koyama